Andrés Silva Vignoli

Andrés Silva Vignoli (né au Panama en 1987) est un peintre et illustrateur qui partage son temps entre Londres et Berlin. Son œuvre explore les thèmes de la biodiversité et les histoires intimement liées des animaux, des lieux et des êtres humains. Architecte de formation (Université de Florence), il a ensuite travaillé comme cartographe – expériences qui nourrissent son souci du détail et son profond attachement au génie du lieu , l'âme d'un endroit. Alliant la précision de l'illustration naturaliste à la force évocatrice du réalisme magique, il travaille principalement à l'aquarelle sur papier, lin et toile, créant des compositions riches en récits écologiques et historiques. Les oiseaux occupent une place centrale dans son travail, symbolisant la beauté, le lieu, la tromperie ou l'étrangeté, tout en étant des personnages à part entière de récits spécifiques. Il a exposé dans des galeries berlinoises (2020-2023) et a participé à la vente aux enchères annuelle du Musée d'Art Contemporain de Panama, ainsi qu'à la vente aux enchères caritative Artsy Art Relief (mars 2025). Ses œuvres ont été publiées dans plusieurs livres et revues, dont Gefiederte Welten , Graes Magazine et Chiriquí : La Provincia del Barú . Il poursuit actuellement un master en peinture au Royal College of Art.

“Je peins des oiseaux, des plantes et des scènes de la vie urbaine pour explorer l'évasion – comment nous gérons le désir, la surcharge sensorielle et le sentiment d'être en décalage. Chaque œuvre mêle paysages réels, imaginaires et émotionnels.”

6 questions with Andrés Silva Vignoli

We ask our emerging artists 6 questions to uncover what drives their work, practice, and creativity.

What themes or questions do you find recurring in your work?

Mon travail explore les histoires interconnectées des animaux, des lieux et des êtres humains, souvent à travers le prisme de la biodiversité, de l'extinction, de l'adaptation et de l'altérité. Je suis fascinée par les espèces migratrices, disparues ou qui prospèrent dans des environnements inattendus, et par la tension entre beauté et fragilité du monde naturel. J'éprouve aussi un besoin impérieux de voyager, d'explorer et de collectionner, qu'il s'agisse de notes de terrain, de spécimens de musée ou de fragments de récits oubliés. Les questions d'appartenance, de mémoire et de transformation sont omniprésentes dans ma démarche.

Can you describe a pivotal moment in your journey as an artist?

Plutôt qu'un moment précis, ce sont plusieurs changements discrets qui ont transformé ma façon de travailler. L'un d'eux a été de surmonter ma peur de la couleur : j'ai commencé par me concentrer sur le dessin et la ligne, puis j'ai progressivement adopté des palettes plus audacieuses et plus saturées. Un autre a été de m'éloigner de l'architecture pour me tourner vers le vivant : les animaux, les plantes, les écosystèmes. Ce changement a ouvert la voie à une nouvelle forme de narration, plus intuitive et émotionnelle. Plus récemment, j'ai commencé à travailler sur du lin brut au lieu du papier, ce qui a révélé tout un éventail de possibilités : la transparence, la texture et l'imprévisibilité. Chacune de ces étapes m'a permis d'approfondir le type d'œuvre que je souhaite désormais créer.

What materials or processes are most important in your practice - and why?

Le dessin et l'esquisse sont au cœur de ma démarche artistique : c'est ainsi que j'observe, que je réfléchis et que je commence à appréhender un sujet. Je consacre souvent des jours entiers à la recherche et à l'esquisse avant de me lancer dans une peinture. L'aquarelle, le crayon et l'encre sont mes matériaux de prédilection, notamment pour leur précision et leur délicatesse – un clin d'œil à l'illustration naturaliste. Plus récemment, j'ai commencé à travailler sur du lin brut et à y incorporer de la peinture à l'huile, séduite par sa capacité à allier transparence et saturation. Ces matériaux me permettent de naviguer entre maîtrise et spontanéité, en inscrivant des récits émotionnels et écologiques directement dans la toile.

How do you want people to feel when they experience your work?

Je souhaite que les spectateurs se sentent d'abord séduits, puis troublés. Mes tableaux paraissent souvent vibrants et luxuriants au premier abord, mais sous cette surface se cache un réseau de tensions sourdes et de vérités dérangeantes. J'espère aussi que l'on prendra le temps d'explorer et d'observer attentivement : nombre de mes œuvres recèlent des symboles superposés, des références cachées et de petits détails, comme un canard en caoutchouc dissimulé, qui ne demandent qu'à être découverts. Idéalement, l'œuvre invite à une contemplation lente et laisse place à la réflexion, à la curiosité et au sentiment d'être happé par une histoire dont les contours ne sont pas immédiatement évidents.

What does a typical day in your studio look like?

Ma journée commence généralement par la lecture, la recherche ou des croquis ; j’ai besoin de bien comprendre ce que je vais peindre avant de commencer. Cette étape du processus est calme et solitaire. Mais une fois que je me mets à peindre, surtout sur les grands formats, je discute souvent beaucoup avec mes collègues d’atelier ; c’est un rythme social qui dynamise mon travail. Je commence par le dessin et l’aquarelle, puis j’ajoute des couches de crayon et d’encre. La peinture à l’huile intervient bien plus tard, généralement vers la fin, lorsque la composition est déjà bien avancée et que je souhaite ajouter de la profondeur, de la saturation ou une dernière nuance. Il y a toujours de la musique ou un bruit de fond, et beaucoup de café.

What dreams or hopes do you have for your artistic journey?

J'espère continuer à développer une œuvre qui explore les paysages à la fois écologiques et émotionnels – une œuvre intime, riche et engagée. Je souhaite exposer et produire à l'international, notamment grâce à des résidences qui me permettent de m'immerger dans de nouveaux environnements et récits. À long terme, j'aimerais créer un livre illustré et collaborer avec des scientifiques, des écrivains ou des commissaires d'exposition de différentes disciplines afin d'élargir la portée de mon travail. Par-dessus tout, je veux préserver ma curiosité, continuer d'évoluer et me laisser surprendre par les révélations futures de mon travail.