Ed Robeson

L'œuvre d'Edward puise ses racines dans un bouleversement personnel, inspiré par une jeunesse marquée par le chaos et l'évasion à travers les psychédéliques et la déconnexion. Ces premières expériences ont façonné une pratique qui explore la tension entre lucidité et effondrement, beauté et douleur. Son art reflète un paysage émotionnel indicible – une plongée introspective dans des réalités fragmentées et des moments de révélation silencieuse.

Influencé par les vastes espaces résonnants de son enfance, le langage visuel d'Edward mêle couleurs vives, architecture urbaine affirmée et techniques graphiques superposées. La photographie est son point de départ, mais sa véritable expression artistique s'exprime dans la manipulation de l'espace – par la sculpture, la superposition et la distorsion. Cette rupture devient une métaphore de la liberté émotionnelle et psychologique.

« Mon travail est une échappatoire », dit-il. « C’est ma façon de gérer les choses. Ces mondes dans lesquels je pénètre sont réels pour moi. »

Le style caractéristique d'Edward, qu'il appelle photographie graphique, transforme les scènes du quotidien en espaces émotionnels construits où le chaotique et le sublime coexistent.

“Encadrées dans un style photographique graphique, ces images reconstruisent le familier en fictions visuelles, en réalités composées qui brouillent la frontière entre observation et imagination. Chaque image agit comme un seuil, invitant à un dialogue silencieux entre le tangible et l'invisible, le connu et l'innommé.”

6 questions with Ed Robeson

We ask our emerging artists 6 questions to uncover what drives their work, practice, and creativity.

What themes or questions do you find recurring in your work?

Ma pratique explore souvent la tension entre utopie et dystopie urbaines – des espaces à la fois rêvés et en déclin. Je suis attirée par l'idée d'évasion, non pas au sens traditionnel de repli sur soi, mais plutôt par la question : où pourrions-nous aller ? Quelles réalités existent au-delà de celle-ci – architecturalement, émotionnellement, politiquement ? Mon travail oscille entre l'imaginaire et le réel, esquissant les contours de futurs possibles, de présents fragmentés et d'échappatoires oubliées. Il est animé d'une curiosité insatiable : la recherche de lieux qui n'existent pas encore, ou qui n'existent que par bribes – dans les ruines, les reflets ou les dysfonctionnements du quotidien.

Can you describe a pivotal moment in your journey as an artist?

L'un des moments les plus marquants de ma vie s'est produit lors de ma dernière année d'études, pendant un cours de Photoshop. Mon professeur m'a présenté une technique de superposition – simple au premier abord, mais qui a complètement transformé ma façon d'appréhender les images. Un déclic s'est produit : j'ai compris que la photographie ne se limitait pas à une seule image. Elle pouvait être déconstruite, déformée, reconstruite. Cette découverte – l'idée qu'une image pouvait être manipulée pour devenir une œuvre composée de couches, ambiguë, instable – a profondément modifié ma manière d'aborder le travail visuel. J'utilise encore cette technique dans presque toutes mes créations. C'est à ce moment précis que j'ai commencé à penser comme un artiste.

What materials or processes are most important in your practice - and why?

L'appareil photo est au cœur de ma pratique – c'est là que tout commence. Il me permet de collecter des fragments du monde, souvent banals ou périphériques, que je déforme et recontextualise ensuite. Photoshop est mon chantier, mon théâtre, un lieu où je superpose, manipule et crée une tension entre le réel et l'imaginaire. Le processus est immersif, presque fugué ; je perds la notion du temps et me laisse aller à quelque chose de plus instinctif, je vis ce processus comme une prière. J'ai besoin d'être dans un lieu qui me permette de me dissocier.

How do you want people to feel when they experience your work?

Je souhaite que les gens se confrontent aux questions qu'ils ne se sont pas encore posées, qu'ils ressentent quelque chose d'insaisissable, dans un espace visuellement parfait mais émotionnellement troublé. Rien n'est certain dans mon travail, mais il m'a apporté des réponses dont j'ignorais avoir besoin. On sait rarement quel effet une image devrait avoir sur nous, et pourtant certaines possèdent une force étrange. J'aimerais que quelqu'un contemple mon travail et, l'espace d'un instant, partage les pensées que je n'ai pu exprimer, qu'il me rejoigne là où je me suis perdue.

What does a typical day in your studio look like?

Il y a rarement une structure stricte ; c’est plutôt une impression de me laisser porter par le travail. Je commence généralement par revisiter de vieilles photographies, des fragments que j’ai collectionnés. Parfois, je sais ce que je cherche ; d’autres fois, c’est plus une quête visuelle. Une fois Photoshop ouvert, le processus prend le dessus. Je construis des scènes couche par couche, en essayant des choses qui semblent absurdes au premier abord. Il ne s’agit pas de poursuivre un résultat, mais plutôt de me perdre dans le rythme, de laisser mon instinct me guider. Il y a des pauses, des doutes et, parfois, des intuitions fulgurantes. La plupart des journées se terminent dans le silence, seule avec une image, à me demander quelle direction elle prendra ensuite.

What dreams or hopes do you have for your artistic journey?

Je veux que mon œuvre parle plus fort que mon nom. Qu'elle s'installe sur les murs – dans les galeries, certes, mais aussi dans les cuisines, les chambres, les bureaux, sur les bâtiments – partout où les gens s'arrêtent et contemplent sans savoir pourquoi. Je ne cherche pas à être un nom qu'on cite ; je veux être l'œuvre dont on se souvient. La notoriété importe peu. L'attention, elle, compte. Si quelqu'un entre dans une pièce et que l'image le captive – ne serait-ce qu'un instant – c'est ça, le rêve.