Isabelle Beaubien

La couleur est le fil conducteur de toute mon œuvre. Je suis fascinée par son pouvoir émotionnel : comment une combinaison juste peut être plus éloquente que les mots, transformer une humeur ou réveiller un souvenir. Je me demande sans cesse : que se passe-t-il lorsque deux couleurs se rencontrent ? Peuvent-elles s’harmoniser ? Peuvent-elles se stimuler mutuellement ? Cette exploration est un perpétuel cheminement. C’est une quête de résonance, d’énergie et d’équilibre.

Un moment décisif s'est produit lorsque j'ai pleinement embrassé mon rapport instinctif à la couleur et que je me suis autorisée à faire confiance au processus. J'ai cessé de peindre ce que je pensais que les gens voulaient voir et j'ai commencé à créer à partir d'une expression profondément personnelle. Ce changement a tout changé : il a libéré une liberté et une authenticité auxquelles les gens ont immédiatement été sensibles. J'ai compris que la couleur n'était pas simplement un élément de mon travail, elle était l'œuvre elle-même. Dès lors, je me suis laissée guider par le processus de superposition, de contraste et d'exploration des couleurs.

L'acrylique est essentielle à ma démarche artistique car elle me permet de travailler rapidement et de superposer les couches sans perdre mon élan. Son immédiateté correspond à ma façon de travailler : rapide, intuitive et physique. Je n'utilise pas de pinceaux traditionnels. Je crée mes propres outils, ce qui me confère une palette unique de marques et de mouvements, propre à mon langage artistique. Ces outils personnalisés me permettent de m'éloigner de la précision et de privilégier le geste, le rythme et la fluidité. Je travaille souvent sur plusieurs œuvres simultanément, chacune nourrissant la suivante. C'est un processus dynamique, entièrement axé sur le mouvement, l'instinct et la recherche constante de la combinaison de couleurs parfaite et harmonieuse. Un autre élément essentiel de ma pratique est l'épaisse couche de résine que j'applique sur nombre de mes œuvres. Elle transforme la surface, lui conférant profondeur et une texture totalement différente. Sur certaines pièces, elle amplifie l'éclat des couleurs et crée un fini lisse, presque liquide. Sur d'autres, notamment mes tondos, la résine leur donne une dimension sculpturale. Ce n'est plus seulement une peinture accrochée au mur ; elle devient un objet dans l'espace. Cette dimension supplémentaire me semble essentielle à la manière dont je souhaite que l'œuvre soit perçue.

Je souhaite que les gens se sentent dynamisés, touchés par la couleur, la texture, le rythme. Mais je veux aussi qu'ils ne sachent pas exactement ce qu'ils regardent. Est-ce une peinture ? Un collage ? Une impression numérique ? J'aime ce moment de confusion, car il ouvre la porte à la curiosité et à la conversation. Lorsque les gens s'arrêtent et commencent à poser des questions, ils s'engagent avec l'œuvre plus profondément. Mon but est de créer une expérience sensorielle, quelque chose d'immédiat et d'émotionnel, mais qui invite aussi à la réflexion et au dialogue. Si quelqu'un repart avec une émotion inexplicable, alors l'œuvre a atteint son but.

Mes journées sont rythmées, presque comme un horaire de bureau. Je commence par une petite promenade avec mon chien, puis je me prépare une bonne tasse de thé avant de descendre à l'atelier. La première chose que je fais, c'est mettre de la musique ; elle est toujours là. La musique fait partie intégrante de mon processus créatif ; elle donne le ton, véhicule l'énergie et m'aide à rester connectée à mon travail sur le plan émotionnel. Une fois lancée, je commence généralement par mélanger les couleurs ; cela m’aide à me connecter à l’ambiance du jour et à définir l’orientation de chaque œuvre. Je travaille souvent sur plusieurs toiles simultanément, parfois trois à la fois, pendant deux ou trois semaines. Chaque tableau passe par de nombreuses étapes : superposition des couches, harmonisation des couleurs, création de la texture et enfin application de la résine. C’est pourquoi une certaine organisation est indispensable. Le timing est crucial : les temps de séchage, l’ordre des couches, le durcissement de la résine… tout doit être géré avec soin. Il y a là un rythme, une intensité tranquille. C'est un processus qui exige à la fois discipline et ouverture d'esprit, et cet équilibre me permet de rester pleinement impliqué.

Je souhaite repousser sans cesse les limites du pouvoir de la couleur, découvrir des combinaisons inattendues qui me surprennent et touchent les autres. La couleur est infinie, et ma fascination pour elle demeure intacte. Je veux intensifier la dimension collaborative de ma pratique, continuer à travailler avec des designers, des architectes et des commissaires d'exposition qui croient au pouvoir émotionnel et transformateur de la couleur, et explorer des manières encore plus significatives de concrétiser cette vision dans de nouveaux espaces et contextes. Pendant de nombreuses années, j'ai exposé mon travail dans des foires d'art du monde entier, ce qui a été un moyen formidable de rencontrer un public international. Mais aujourd'hui, je ressens un fort besoin de revenir à mes racines, là où tout a vraiment commencé, et de trouver à nouveau des opportunités de travailler au Royaume-Uni. Ici, au Canada, les espaces sont si vastes et dispersés que la plupart d'entre nous travaillons depuis des ateliers à domicile. Bien que cela présente des avantages, la communauté artistique dynamique que j'avais à Londres me manque : les échanges quotidiens avec d'autres artistes, l'énergie, les conversations, l'atmosphère créative partagée. J'aspire à me sentir appartenir à quelque chose de plus grand, à un véritable écosystème artistique. Retrouver ce sentiment d'appartenance à une communauté me semble être la suite logique de mon parcours, dans la poursuite de l'évolution de ma pratique. Au final, je veux rester curieux, rester ouvert et continuer à créer des œuvres qui résonnent, tant visuellement qu'émotionnellement.