Nikita Andrejev

Mon travail s'articule autour des questions : « Qu'est-ce qui est biologique ? » et « Qu'est-ce qui est naturel ? » Pour certaines personnes, ces deux questions signifient la même chose ; cependant, pour moi, elles mènent vers deux directions différentes au sein du « monde naturel ».

Quand je dis « organique », je pense immédiatement à la forme – un langage qui donne sens à l'énigme des organismes vivants. Un motif, utilisé par Mère Nature, qui se cache au cœur des êtres vivants et de leur environnement (vivant et non vivant). Si l'on prend quelques éléments différents issus de la nature – par exemple : l'écorce d'un arbre, le corail, la pierre, le muscle, l'os et un champignon –, on pourrait au premier abord penser que ces objets sont très différents les uns des autres. Et ils le sont, dans une certaine mesure… Ils diffèrent par leur matière et leur forme. Pourtant, en même temps, ils se ressemblent (comme le rectangle qui forme un bâtiment ressemble au rectangle qui forme une brique). Ils partagent le même motif, que j'appellerais un rythme naturel universel. Ce rythme est une sorte de combinaison de répétition, de lignes, d'angles et d'irrégularités régulières. Il est très difficile de décrire ce rythme avec des mots – c'est pourquoi je l'étudie visuellement. Cependant, je crois en ce schéma, je le perçois, et je m'efforce de le saisir, de l'observer, d'en tirer des leçons et de le distiller jusqu'à son essence même. Pour créer une forme qui soit autant un arbre qu'une pierre, autant qu'un os, autant qu'un organe.

Avec la seconde question – « Qu’est-ce qui est naturel ? » – je me concentre davantage sur l’esprit humain. Plus précisément, sur ce qui se passe dans mon esprit. Et à travers le prisme de ma propre pensée, j’explore la psyché humaine, l’envisageant sous l’angle de l’instinct. J’étudie les sentiments comme des composantes essentielles, fondamentales à l’état naturel de l’être humain-animal. Ces éléments psychologiques me permettent de composer mes peintures comme des poèmes.

À travers l'utilisation de formes organiques que je trouve, je crée des paysages spirituels qui reflètent d'une certaine manière le monde dont nous venons, tout en étant liés à ma psyché, à mon observation et à ma réflexion sur ce monde.

“Mon travail explore la nature instinctive de l'esprit humain et les schémas universaux du monde organique. À travers la peinture à l'huile et le dessin, je distille les rythmes émotionnels et naturels en formes abstraites, créant des poèmes visuels qui reflètent à la fois la psyché intérieure et l'étrange beauté partagée du vivant.”

6 questions with Nikita Andrejev

We ask our emerging artists 6 questions to uncover what drives their work, practice, and creativity.

What themes or questions do you find recurring in your work?

Deux idées principales reviennent sans cesse dans mon travail. La première concerne la condition humaine, ce qui est naturel à l'être humain. Des choses comme les instincts et les émotions : l'amour, les attentes, la peur, la cupidité, la colère. Je considère tout cela comme une composante essentielle de l'être humain, mais aussi de l'être animal. Ces concepts psychologiques sont souvent sous-jacents à mon travail, plutôt que d'être explicitement formulés. Le second thème est plus visuel ; il s’agit de condenser la beauté de la nature en une sorte de motif universel. Je souhaite m’éloigner de la géométrie pour explorer des formes plus organiques et irrégulières, à la fois étranges et magnifiques. C’est ma façon de saisir à quel point le monde qui nous entoure est à la fois étrange et esthétique.

Can you describe a pivotal moment in your journey as an artist?

Il est difficile de désigner un seul moment, car je pense que la construction de l'art se fait lentement, tout au long de la vie. On ne réalise pas toujours ce qui a été important avant bien plus tard, voire jamais. La vie et l'art sont si intimement liés qu'on ne peut les dissocier. Mais si je devais choisir un moment précis, ce serait aux alentours de 2020, lorsque j'ai compris que la création artistique était ma vocation. C'est à ce moment-là que j'ai décidé de m'y consacrer pleinement, de ne plus créer par simple plaisir, mais de m'y engager vraiment. Après cela, j'ai commencé à produire des œuvres de meilleure qualité, et je pense que cette décision a tout changé pour moi.

What materials or processes are most important in your practice - and why?

J'ai touché à presque tout. J'ai une formation en menuiserie : je fabriquais des meubles, des bateaux, des structures, c'est là que ma créativité a pris racine. Mais il y a environ neuf ans, j'ai commencé à dessiner et à peindre, et depuis, j'ai tout essayé : crayon, aquarelle, craie, acrylique, couture, collage, journaux, etc. Mon matériau principal est désormais la peinture à l'huile sur toile ; c'est là que se concentre l'essentiel de mon travail. La peinture à l'huile est une véritable passion, et je l'adore. Mais récemment, j'ai aussi pris goût aux pastels secs, à la linogravure et à l'encre noire. Ces techniques aboutissent généralement à des œuvres sur papier, que je considère comme une autre facette de ma pratique, plus spontanée, plus immédiate, tandis que la peinture à l'huile en reste le cœur.

How do you want people to feel when they experience your work?

Il y a une grande différence entre la façon dont je perçois mon propre travail et la façon dont les autres le vivent. Si j'essaie de trop expliquer ou d'imposer mon interprétation, j'ai l'impression de leur faire porter le poids de ma propre perspective, et je ne le souhaite pas. Je souhaite plutôt que les spectateurs l'interprètent par eux-mêmes. Je veux qu'ils soient honnêtes avec ce qu'ils voient et ressentent. C'est pourquoi je crée des œuvres abstraites : cela laisse à chacun la liberté de réagir à sa manière. J'aime cependant donner des titres à mes œuvres. C'est le seul petit indice que je leur offre, une sorte de piste qui les invite à approfondir le sujet s'ils le souhaitent. Mais surtout, je veux qu'ils regardent, qu'ils ressentent et qu'ils se les approprient.

What does a typical day in your studio look like?

Je passe environ cinq à six jours par semaine à l'atelier, généralement de quatre à sept heures par jour. C'est là que je réalise toutes mes peintures à l'huile. Mais une grande partie de mon travail se fait hors de l'atelier, à la maison, dans le train, dans le bus, car je crois qu'on peut créer de l'art partout. Généralement, je commence par une esquisse. Ensuite, je réalise quelques études plus approfondies, des dessins plus aboutis. Ceux-ci peuvent devenir des œuvres sur papier à part entière, ou me servir de base pour préparer une peinture. Vient ensuite tout le travail préparatoire : je découpe le bois, je fabrique les châssis, je tends la toile et je prépare mon propre gesso traditionnel à base de craie et de colle de peau de lapin. Tout cela sert uniquement à préparer la surface. Une fois cette étape terminée, je consacre généralement environ deux semaines à la réalisation de la peinture.

What dreams or hopes do you have for your artistic journey?

Mon principal objectif est de créer une œuvre d'art vraiment exceptionnelle. Bien sûr, je souhaite réussir et vendre mes créations, cela fait aussi partie de mes ambitions. Mais le plus important, avant tout, c'est de créer de l'art de qualité. Je considère les artistes comme des serviteurs du dieu de l'art, et mon rôle est de le servir au mieux. Mon objectif principal est donc de continuer à travailler, à progresser et à créer une œuvre qui me semble juste, une œuvre qui réjouirait les dieux de l'art.

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