Beaven de Prasad

Les thèmes récurrents de mon travail sont souvent archétypaux et spirituels. Je suis constamment attirée par l'exploration de la tension éternelle entre la lumière et l'obscurité, la quête de la transcendance et le cheminement silencieux mais persistant de la recherche. Les figures qui y apparaissent fréquemment incarnent des chercheurs, des pèlerins ou des témoins – non liés à un récit, mais représentant des états intérieurs de désir, de vision ou d'éveil. Une question centrale de mon travail est : qu'y a-t-il au-delà du visible ? Par des procédés de superposition – tels que le marbrage à l'encre, le tracé intuitif et les voiles tonaux – je cherche à dissoudre la solidité du monde matériel et à inviter une présence plus éthérée, spirituelle, à émerger. Mon but n'est pas de décrire ce qui est vu, mais d'évoquer ce qui est ressenti, perçu, et de l'exprimer dans sa forme la plus pure et la plus essentielle.

Un moment charnière de mon parcours fut celui où j'ai cessé de chercher à reproduire la forme extérieure de la nature et où j'ai commencé à exprimer mon ressenti. Ce changement a transformé non seulement ma façon de peindre, mais aussi le sens même de ma pratique. Auparavant, la technique n'était qu'un moyen de rendre ce que je voyais. Mais lorsque je me suis tourné vers l'intérieur, le coup de pinceau lui-même est devenu expressif – non pas de ce que j'observais, mais de ce que je ressentais. Un seul trait pouvait porter la force vitale de la nature avec plus de vérité que n'importe quel détail figuratif. Durant cette période, je me répétais souvent : « Ne cherche pas le jardin du paradis à l'extérieur, car il est en toi. » Ce mantra discret m'a guidée loin des apparences vers une harmonie intérieure. Mon travail s'est moins porté sur la description que sur la révélation – une quête du spirituel dans le physique, de l'éternel dans le temporel.

Le processus débute par un lâcher-prise, un abandon des idées préconçues, du besoin de contrôle et de l'idée que devrait se faire la peinture. Grâce à la spontanéité de la technique du marbrage à l'encre, je laisse l'image se former d'elle-même. C'est une façon d'ouvrir le processus à l'imprévu, de laisser émerger quelque chose d'inattendu. De là, j'entre dans un état de conscience inconsciente, réagissant aux formes qui émergent. Souvent, elles commencent à me révéler quelque chose – un déploiement silencieux d'images ou de sentiments intérieurs à travers le langage abstrait de la nature. Il devient un processus de conscience de l'inconscient. La peinture se construit par de douces et subtiles couches d'encre, suivies de lavis d'aquarelle qui sculptent la lumière et les tons. Vers la fin, j'introduis parfois du pastel, utilisé avec parcimonie pour adoucir les transitions et unifier la surface. Chaque matériau contribue à un équilibre entre spontanéité et clarté, entre ce qui est perçu et ce qui se révèle progressivement.

J'espère que le tableau invite à la réflexion, comme s'il invitait à un voyage silencieux du connu à l'inconnu. Une grande partie de mon travail explore la frontière entre clarté et ouverture : certaines formes se dévoilent délicatement, tandis que d'autres demeurent indéfinies, laissant au spectateur le soin d'entamer sa propre découverte. Je souhaite que l'œuvre invite à l'introspection, du corps à l'informe, de l'extérieur à l'intérieur. Mon espoir est que le regard devienne une transformation subtile : une ouverture de la conscience, un glissement vers la perception des subtilités de l'existence.

Je commence généralement ma journée tôt par une méditation, ce qui m'aide à me plonger dans un état de calme et de réceptivité. Ensuite, je m'occupe des tâches administratives et pratiques : courriels, messages, tout ce qui doit être traité. Une fois cela fait, je consacre du temps à mon journal, ce qui me permet de réfléchir à mon travail, de faire le point sur son évolution et de rester fidèle à l'orientation profonde de ma pratique. Ce n'est qu'après cela que je commence à peindre. J'essaie d'aborder le processus sans pression, en laissant les formes et l'atmosphère de l'œuvre me guider. Je peins souvent jusqu'en fin de matinée, voire l'après-midi, puis je fais une pause – parfois une promenade dans le parc, qui me permet de me ressourcer et de renouer avec la nature. Après la pause, je retourne à l'atelier et je continue souvent à peindre jusqu'au soir, travaillant avec un regard neuf et une concentration profonde.

Mes espoirs d'artiste reposent moins sur la reconnaissance que sur l'intégrité même de mon œuvre. Je porte en moi une vision discrète mais claire, qui s'affine sans cesse au fil de l'évolution de mes peintures. Mon ambition la plus profonde est de concrétiser pleinement cette vision, de donner forme à quelque chose à la fois profondément personnel et universellement universel. J'espère que l'œuvre, lorsqu'elle atteindra sa pleine expression, possédera une forme d'intemporalité. Qu'elle puisse s'affranchir des tendances et des modes et s'adresser plutôt à quelque chose d'éternel, à quelque chose d'immuable sous le tumulte du monde. Nous vivons une époque marquée par le bruit, les distractions et les contradictions. Dans ce contexte, je souhaite que mes peintures offrent clarté, sérénité et un sentiment de vérité. Non pas comme un dogme, mais comme une intuition profonde – un rappel des dimensions invisibles, subtiles et spirituelles de la vie, souvent négligées. Si mon travail peut aider ne serait-ce que quelques personnes à renouer avec ce sentiment de profondeur intérieure, ou à se sentir moins seules dans leur quête de sens, alors j'aurai le sentiment d'avoir rempli mon rôle d'artiste.